Stanley Kubrick

“Hay un tema del que soy consciente y que se encuentra en mis películas: el fracaso de la comunicación” SK

Stanley Kubrick (Nueva York, Estados Unidos, 26 de julio de 1928 – Harpenden, Hertfordshire, Reino Unido, 7 de marzo de 1999) fue un fotógrafo, director de cine, guionista y productor estadounidense. Considerado por muchos uno de los más influyentes cineastas del siglo XX.

“Cualquiera que haya tenido el privilegio de realizar una película es consciente que es como escribir “La Guerra y la Paz” en los autos chocadores de un parque de atracciones, pero cuando la tarea esta terminada pocas cosas en la vida pueden compararse a lo que se siente en ese momento” SK

Filmografia:

“Etapa Renovadora”, “Período en Color” o “Etapa de madurez”,

1999 Eyes Wide Shut

Eyes Wide Shut es una película complicada y enigmática que exige considerable reflexión y ser vista varias veces. Debido a que los hechos narrados desdibujan la línea que separa la realidad de los sueños, la película resulta misteriosa y poco concluyente y deja la puerta abierta a una multitud de lecturas.

“Me gustan los territorios del relato donde la razón es de poca utilidad. La racionalidad conduce a las fronteras de ese territorio y luego queda por explorar el nivel poético o musical.”
SK

“Kubrick era un misantropo. Se negaba a volar y a circular a mas de cuarenta kilometros por hora. Procuraba en lo posible que no le sacaran fotos y vivia aterrorizado con la idea de ser asesinado. Ejercia relaciones de poder con todos aquellos que se cruzaban en su camino. Como cineasta estaba obsesionado con la perfeccion, insistia en tener el control absoluto de todos y cada uno de los aspectos del proceso. Escenas sencillas requerian mas de cien tomas. No es extraño que solo hiciera seis peliculas en los ultimos treinta y cinco años”. Frederic Raphael. Colaboro con el guion de Eyes Wide Shut.

1987 Full Metal Jacket

1980 The Shining

Basado en la novela homónima del escritor Stephen King, la película cuenta cómo su protagonista empieza a sufrir inquietantes trastornos de personalidad a poco de llegar junto con su mujer y su hijo a un solitario hotel. Poco a poco, debido al aislamiento, al insomnio, a sus propios fantasmas interiores y a la influencia maléfica del lugar, se verá inmerso en una espiral de violencia contra su mujer y su hijo, que a su vez parecen víctimas de espantosos fenómenos sobrenaturales.

“Hay mierdas con talento y mierdas sin talento, Stanley Kubrick es una mierda con talento” Kirk Douglas

Es la opinion de muchos. Solo que suele disfrazarse con frases como obsesivo, perfeccionista, implacable, exigente, solitario empedernido.Kubrick fue todo eso y siendolo, ser una mierda. Por ejemplo si uno es Stanley Kubrick, esta rodando “el Resplandor” (The Shining) y un actor negro entrado en años que se llama Scatman Crothers tiene que salir de un auto y cerrar una puerta, solo eso, cerrar una puerta y uno le hace hacer eso setenta y cinco veces,insisto: “setenta y cinco veces”, uno que duda cabe es un obsesivo y un perfeccionista, pero tambien una soberana mierda.

Ocurre que el cine es una de las cosas menos democraticas de esta tierra. Tiene una ferrea estructura piramidal, cuya punta mas alta correspone al director!. Kirk Douglas odio toda su vida a Stanley Kubrick, supongo que Scatman Crothers no lo tendra en su corazon,pero lo que queda son las peliculas y cuando uno va al cine no pregunta si el director es un buen tipo, pregunta si la pelicula es buena y admirablemente Kubrick nunca hizo una que no lo fuera”.(Feinman:2000)

1975 Barry Lyndon

“Cuando la música conviene a la película, le añade una dimensión que ninguna otra cosa podría darle. Es de primerísima importancia”SK

1971 A Clockwork Orange

La película se caracteriza por contenidos violentos que facilitan una crítica social en psiquiatría, el pandillerismo juvenil, las teorías conductistas en psicología y otros tópicos ubicados en una sociedad futurista distópica.

Su banda sonora está principalmente compuesta por pasajes de música clásica, varios de ellos reinterpretados y en ocasiones, como en el caso de los títulos de crédito, adaptados por la compositora Wendy Carlos utilizando el sintetizador Moog.

1968 2001: A Space Odyssey

El guion fue escrito por Kubrick y el novelista Arthur C. Clarke, basándose en una novela corta del escritor titulada El centinela, escrita en 1948 y publicada en la revista 10 Historias de Fantasía, en 1951.

Su trama se centra en un equipo de astronautas, que trata de seguir las señales de un extraño monolito, que parece ser obra de una civilización extraterrestre.

1964 Dr. Strangelove or: How I Learned To Stop Worrying And Love The Bomb

1962 Lolita

Está basada en la novela del mismo título de Vladimir Nabokov, que también escribió el guion.

En la novela original Lolita tiene 12 años. Sin embargo, por la censura de la época, en la película el personaje tiene 14 años, aunque la actriz que interpretó el papel, Sue Lyon, contaba 16 años cuando se rodó.

1960 Spartacus

Cuando se empezó a preparar el proyecto de la película, los productores se preocuparon de eliminar de los circuitos de exhibición, todas las copias existentes de una homónima versión italiana anterior, Spartaco (1953) de Riccardo Freda, protagonizado por Massimo Girotti y Gianna Maria Canale.

La película iba a ser dirigida por Anthony Mann, pero se peleó con Kirk Douglas (productor ejecutivo y protagonista) y acabó dirigiéndola Stanley Kubrick, que también casi abandona, por continuas desavenencias con Kirk Douglas. Las primeras escenas de la película que habían sido dirigidas por Anthony Mann, Stanley Kubrick quería eliminarlas, pero al final no lo consiguió.

Protagonizada por Kirk Douglas, Laurence Olivier, John Gavin, Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, Herbert Lom, Woody Strode, y Tony Curtis en los papeles principales. Basada en la novela histórica homónima de Howard Fast.

El guion, escrito por Dalton Trumbo, retrata la figura de Espartaco, y los hechos ocurridos durante la Tercera Guerra Servil. Galardonada con 4 Premios Oscar, y otros 4 más.

Después de su estreno en 1960 fue proyectada nuevamente en 1967, con 23 minutos menos que la proyección original, y otra vez en 1991 en la cual se restauraban esos 23 minutos más otros 14 que habían sido censurados antes de la proyección original. La adición incluía varias secuencias de batallas violentas, así como una escena en el baño en la cual Craso, general y patricio romano (interpretado por L. Olivier), en un intento de seducir a su esclavo Antonino (T. Curtis), usa la analogía de “comer ostras” y “comer caracoles” para expresar su opinión de que la preferencia sexual es cuestión de gustos más que de moralidad.

Cuando la película fue restaurada, dos años después de la muerte de Olivier, faltaba el audio original del diálogo de esta escena, por lo que tuvo que redoblarse. Tony Curtis pudo doblar su papel pero la voz de Laurence Olivier tuvo que ser imitada por Anthony Hopkins. En la post-producción Douglas era consciente de que Kubrick tenía la intención de atribuirse el guion de la película, aunque éste había sido adaptado de la novela de Howard Fast por Dalton Trumbo, puesto en la lista negra de Hollywood durante el macartismo. Douglas, poderoso públicamente, se opuso a la exclusión de Trumbo y cuando el nombre de Trumbo finalmente apareció en los créditos la lista negra de Hollywood fue definitivamente cancelada.

Las batallas de la película fueron rodadas en las afueras de Madrid, en Guadalajara y en Alcalá de Henares (España). El ejército romano estaba conformado realmente por reclutas del Ejército Español que actuaron como extras siendo dirigidos desde una torre por Stanley Kubrick.

Kubrick recurrió a enanos, a los que colocó prótesis y falsos torsos para simular horribles mutilaciones en las escenas de la batalla de los esclavos contra las legiones romanas, en las que participaron 8.500 extras. Contó también con algunos mancos, a los que puso brazos falsos que luego arrancaban para fingir desmembramientos.

Hay una curiosa anécdota sobre el “traveling” de los cadáveres de los esclavos apilados tras la sangrienta batalla: Kubrick le dio a cada uno de los más de trescientos extras un cartel con un número y luego fue numerándoles uno a uno diciendo en qué postura debían aparecer. (Fotogramas)

“Etapa Clásica”, “Período en Blanco y Negro” o “Etapa de Juventud”

1957 Paths of Glory

Francia, 1916. El ataque suicida del Ejército francés contra las posiciones alemanas en la colina de las hormigas (Ant Hill), un punto estratégico de mortal importancia para el desarrollo de la Primera Guerra Mundial, se convierte en un fracaso estrepitoso. Para escarmentar a las tropas con un castigo ejemplar, el general Mireau (George Macready), uno de los principales responsables del ataque, convoca un consejo de guerra: tres soldados elegidos al azar por sus superiores son acusados de cobardía ante el enemigo y se enfrentan a la pena de muerte por fusilamiento.

Una jovencita aparece frente a los soldados franceses y empieza muy suave y dulcemente a cantar una cancion en aleman. Los soldados rien y le dicen obscenidades. Ella sigue cantando tan bajo y tan dulce como empezo. Los soldados empiezan a escucharla. Hasta que el silencio gana el recinto. Ella ahora canta, algunos la escuchan y se animan a tararear la cancion, a seguirla emocionados.Algunos-todos saben que estan por salir al frente, hacia la muerte, lloran lagrimas lentas y espesas, otros tragan y tragan, sus cuellos flacos se estremecen, otros se pasan una mano por la cara, limpiandose esa humedad irresistible que se les desliza por los ojos. La jovencita se llama Susanne Christian, Kubrick se caso con ella y fue su esposa por cuarenta años.

1956 The Killing

Está basada en la novela Clean Break de Lionel White.

Narra un robo meticulosamente planeado que desemboca en una masacre. El plan comienza a tambalearse cuando Sherry Peatty, la mujer de uno de los ladrones, manipula a su marido para que le revele los detalles del atraco y seduce a su amante para que le robe el botín a Johnny, el cerebro del plan.

1955 Killer’s Kiss

1953 The Seafarers

1953 Fear and Desire

Fear and Desire es la película ópera prima (primera obra) de Stanley Kubrick, rodada en 1953. Su director la consideró como un “trabajo de aficionado” y mandó retirar todas las copias existentes.

1951 Day Of The Fight

1951 flying Padre

En una entrevista en 1969, Kubrick se refiere a Flying Padre como “tonto”. El corto es narrado por el locutor de la CBS Bob Hite

Kubrick luchó y logró el tan ansiado control total sobre sus películas, con el fin de que su visión fílmica no se viera afectada más que por lo que él entendía como coherencia artística. Sin estudios formales de cine, participó en cada etapa de la producción de una cinta, aprendiendo las técnicas y el oficio, llegando a aportar innovadores procedimientos técnicos (efectos especiales, sistema de filmación, nuevas cámaras, focos, luces y lentes) y narrativos que le permitieron a la industria en general avanzar varios años.

Otro apartado donde fue decisivo fue en el empleo de la banda sonora en las cintas que dirigió, anticipándose a varias tendencias, incorporando tanto la enciclopédica revisión de la música perteneciente a la época en la que se ambientaba la película de turno, así como también emplear los aportes de la electrónica cuando esta se aplicaba mayormente en el campo experimental.

Sus películas no dejaban de incorporar sus propios intereses intelectuales y la reflexiones sobre el hombre y su lucha constante con su entorno, ya sea físico, social, psicológico o metafísico. Su observación del ser humano siempre guardaba una distancia prudente, que en vez de frialdad (como lo tachaban algunos críticos), podría más bien leerse un verdadero interés y abierta curiosidad por entender el proceder del personaje como pieza dentro de un engranaje más complejo que lo puramente cultural. El busca aquellos códigos dentro de cada ser humano que lo empujan a accionar de una manera en particular, tanto en la intimidad como en la odiseas titánicas que modifican el curso la historia, creando en el proceso imágenes tan sobresalientes y atemporales que se han convertido en parte de la cultura popular.

Un tema final podría ser su obsesión con los detalles y la calidad del producto. Pocos directores hicieron de esto un tema mayor: entender el filme como acto de aprendizaje extremo del entorno del personaje, en base a una sólida investigación que llevó, junto a su perfeccionismo, a dilatar sus rodajes y aumentar el aura mítica que proyectaba en la prensa.

Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara réflex, regalo de sus padres. Otras aficiones eran la música en general, el jazz en particular (llegó a tocar la batería en la Taft Swing Band) y el ajedrez.

Casino Royale – 1967

Casino Royale – 1967.

vía Casino Royale – 1967.

The Cotton Club

The Cotton Club.

vía The Cotton Club.

Estreno Mundial de “La Dolce Vita” – 05 /02/1960

La noche del 5 de febrero de 1960 era fría y ventosa en Milan, pero eso no amedrento a ninguno de los varios centenares de invitados elegantemente vestidos, de Angelo Rizzoli, el productor-anfitrión del estreno mundial de “La Dolce Vita”.

Quienes habían visto una exhibición privada decían que se trataba de algunas de las actividades sobre las cuales circulaban más chismorreos, del elegante grupo de Via Veneto, de Roma, y que se recreaban en ella ciertos hechos escandalosos del pasado.

Pero una parte del público también había oído decir que “La Dolce Vita” era una obra maestra, así declarada por los críticos antes de su difusión. Se había llevado a cabo una exhibición especial para los distinguidos integrantes de un simposio internacional que se llevaba a cabo en Roma, y algunos de ellos, entre quienes se contaban dos ganadores del Premio Nobel, afirmaron que no solo era uno de los mas grandes filmes que hubiesen visto, sino el mas grande.

Pero en la sala, en Milan, muchos no estaban preparados para lo que vieron. Refería en forma ostensible, la historia de un periodista de 35 años, cuyo trabajo se lo ubica en el centro de la alta sociedad romana, y era también una exhibición inexorable, de casi 3 horas, de amoralidad y hedonismo: una vida dulce que se había vuelto agria y rancia.

Quienes vieron la verdad y un poderoso trabajo fílmico en serie de vividos episodios, prorrumpieron en aplausos, pero de pronto superados en numero por la mayoría, que entendió la obra como un ataque a su integridad moral, y como una enconada agresión contra la nueva libertad y prosperidad de su país. Hubo murmullos de consternación, y luego gritos de desaprobación y andanadas de abucheos. Hacia el final una escena orgiástica en una casa junto al mar provoco exclamaciones de ¡basta!

Fellini, sentado junto a su esposa Giulietta Masina, se sintió sacudido por la reacción. El filme había ocupado su espíritu, sus pensamientos y su energía durante 2 años, con muy pocas horas de sueño por la noche. Cuando Giulietta y él se dirigieron hacia el vestíbulo, debieron abrirse paso en un mar de rostros henchidos de odio. Una mujer de edad, enjoyada, de abrigo de visón, blandió el puño ante el y grito: ¡Esta poniendo a Italia en manos de bolcheviques! – Un hombre de smoking, se acercó a Fellini y le escupió la cara. En rigor, según comprendió mas tarde Fellini, se lo había retado a duelo.

Y ese fue solo el preludio. Cuando fue exhibida ampliamente en Italia, provoco casi una guerra civil, que se entablo entre los medios de comunicación, en los pulpitos, en los debates públicos, en el Parlamento y a veces a golpe de puño, en el vestíbulo de las salas cinematográficas.

Antes del lanzamiento para el público, las autoridades de la Iglesia Católica, en apariencia habían dado su aprobación. El padre Angelo Arpa, un jesuita amigo de Fellini, había hecho una critica favorable de “La Dolce Vita” en la publicación “Il Quotidiano”; veía la conducta pecaminosa que se exhibia en ella como cotejada con valores morales. Pero muy pronto fue acallado por l ‘Observatore Romano, mas autorizado, que, con la aprobación del Vaticano, ataco el filme, tildándolo de desagradable, obsceno, indecente y sacrílego. Entonces “Il Quotidiano” se corrigió, y declaro que el titulo debía ser “La vida repugnante”. Un sacerdote anuncio una misa que ofrecería “expiación y reparación” por los pecados cometidos por las muchas personas que veían el filme. En otro periódico, un editorialista advertía: “Si Italia se vuelve comunista, este filme ocupara un lugar de honor muy elevado en cualquier despertar revolucionario”.

“It was I who made Fellini famous, not the other way around”. (Anita Ekberg)

El Parlamento italiano se ocupo del asunto. Durante un furioso debate, varios diputados propusieron una medida que impediría la circulación de esa obra, e inclusive propusieron una prohibición lisa y llana. Entre tanto, el centro cinematográfico Católico la califico de obra prohibida, que nadie podía ver. Elio Vittorini, un destacado escritor, reprocho: “Católicos que no entienden nada, que no reconocen a sus propios hijos… Estos católicos solo hablan como fascistas, y no como católicos”. El novelista Alberto Moravia, dejo muy en claro su posición al declarar que era la obra mas grande que jamás se hubiera hecho en Italia.

Por ultimo, Fellini se sintió impulsado a hacer una declaración publica, que decía en parte: “Estamos convirtiendo a La Dolce Vita en un tema nacional. Los italianos nos encontramos siempre dispuestos a desgarrarnos unos a otros. Ahora creamos una psicosis morbosa que produce en los espectadores un sentimiento de curiosidad malsana. Terminemos con esto. En cuanto a mi, solo quería hablar de algo que me inquieta”. Con o sin curiosidad malsana, los italianos formaron largas colas en las salas que exhibían el filme. El alboroto en torno al filme, que ocupo a los italianos durante ese año, beneficio a Rizzoli y sus socios financieros, en lo referente a los ingresos de taquilla, que llegaron a niveles vertiginosos. Uno de los que menos se beneficiaron en términos financieros fue Fellini, quien había abandonado su parte de las ganancias para hacer su obra tal como él la quería. (Harper:1986)

Filmografia de Federico Fellini

M, El Vampiro Negro – 1931 – Fritz Lang

Fritz Lang

Se ubica en un momento peculiar del cine alemán. Detrás suyo quedaba la década del periodo mudo, que arrancaba desde “The Cabinet of Dr. Caligari (1920)”

y se integraba con un gran arco de obras magnas, sombrías, obsesionantes.

En ese mismo momento comenzaba en Alemania el cine sonoro, que obligaba a revisar lenguajes, estilos y temas, produciendo la mayor revolución de la industria. Y por delante asomaba ya la sombra del nazismo, que no solo determinaría las tendencias inmediatas del cine alemán sino que habría de provocar el exilio de muchas de sus figuras.

La idea de Fritz Lang fue retratar al criminal Kurten, un perverso que en Dusseldorf había matado a niñas de pocos años, a este centro el director y su co-libretista (y esposa) Thea von Harbou agregaron una idea desarrollada desde la Opera de tres centavos de Bretch y Weill, disponiendo que los ladrones de la ciudad se organicen para capturar al villano.

La simple razón es que la policía, por querer apresar al protagonista, impide que los delincuentes trabajen en los suyo, con lo cual estos deben eliminar aquel estorbo. Y así paradójicamente el protagonista llega a ser una figura pasiva, mientras dos organizaciones paralelas, de delincuentes y de policías, deliberan y planifican la forma de acosarlo.

El dato notable del film es que toda esa acción se cumpla minuciosa y fatalmente, como otro de los homenajes al Destino, que tanto gustaron al director, pero también con un realismo de conducta de fotografía y hasta de sonido, alternando toques de humor con los signos de la tragedia: la M marcada con tiza en la espalda de Peter Lorre, la figura acurrucada de este, refugiado como una rata en el rincón de un deposito, la melodía de Peter Gynt que obra como símbolo y como aviso de la cercanía del villano.

M
DIRECTOR Fritz Lang
GUIÓN Thea von Harbou, Fritz Lang
FOTOGRAFÍA Fritz Arno Wagner (B&W)
REPARTO Peter Lorre, Otto Wernicke, Gustav Gründgens, Theo Lingen, Theodor Loos, Georg John, Ellen Widman, Inge Landgut.

PRODUCTORA Nero Film
GÉNERO Thriller. Intriga. Crimen. Asesinos en serie. Expresionismo alemán.

En un primer anuncio, el film había sido mencionado como “Los asesinos están entre nosotros”, lo que fue entendido por los nazis como una alusión política que convertiría a Fritz Lang en un enemigo.

“En esa época, deseaba alquilar para las necesidades de la película los hangares Zeppelin de Staaken. El gerente, con quien yo tenía excelentes relaciones, me dijo que no podía alquilármelos. Molesto le pregunte el motivo. Me contesto: “Sabes muy bien por que no quiero, no deberías hacer esa película”. Lo agarre de la solapa, sentí algo duro: llevaba la insignia del partido nacional-socialista”. Fritz Lang

No se equivocaban mucho, la paranoia criminal de M podía no ser un símbolo claro de los nazis , pero un año después en el “Testamento del Dr. Mabuse, Fritz Lang aumentaba el retrato de esa intención criminal, trasladada desde un personaje a toda una organización de asesinos. Se podía leer en el programa en la versión norteamericana: “La humanidad, humillada por la guerra y la revolución, toma su desquite del tiempo del sufrimiento entregándose al vicio; o sea, pasiva o activamente al crimen”. Poco después Lang comenzaría su exilio

El productor Erich Pommer (1889-1966) responsable de buena parte del mejor cine alemán, le dejo dos enseñanzas a Fritz Lang:

“Fritz, tienes que contar el argumento con la camara. Por tanto, debes conocer la cámara y lo que puedes hacer con ella. La iluminación es parte de ello, y también lo es el movimiento de la cámara. Tienes que conocer los instrumentos con los que narras el tema.”

“Nunca tengas una relación amorosa con una actriz”. Pero esta no la obedeció, sobre la noción de peligro y destino, Fritz Lang no recibía lecciones:

“La lucha contra el destino. Creo que hay que combatirlo. Es la lucha mas importante, mas que el objetivo” Fritz Lang

Lawrence of Arabia – 1962

Lawrence of Arabia – 1962.

vía Lawrence of Arabia – 1962.

Yasujiro Ozu

“Desde mi mas tierna infancia me he sentido como si el mundo en el que vivimos nos traicionase. Este pensamiento lo llevo siempre conmigo” Yasujiro Ozu

Hijo de un comerciante de fertilizantes, Ozu nació en Tokyo en 1903 y a los diez años se fue a vivir al campo con su madre. Fue expulsado de la escuela por su rebeldía, la misma de la que hizo gala en los años veinte al ver cientos de películas estadounidenses, tan alejadas de la mesura y armonía japonesas.

Yasujiru Ozu no se caso, no trabajo en ninguna fabrica, no fue a la universidad y sin embargo, durante mas de treinta años dirigió películas sobre la cotidianeidad de la vida de los matrimonios, de los obreros de las fabricas y de los estudiantes.

En 1927 empezó a dirigir, y en 1932, un año después del estreno de El millón y Viva la Libertad de Clair, empezó a desmarcarse de la influencia del cine occidental hasta desarrollar un estilo y un universo cinematográficos que todavía hoy siguen siendo únicos. La películas de Ozu se basan en lo que los japoneses llaman “Momo no aware”, una concepción estática y triste de la vida en la que el ser humano es un punto intermedio, no solo entre la figura del padre y la del niño, sino también entre la esperanza y la falta de esta, asi como entre la vida publica y la vida privada.

El primer gran éxito le vino con “Umarete wa mita keredo” (He nacido, pero… – 1932).

Se trata de una divertida e inteligente película sobre dos hermanos que van a una escuela, donde descubren de la mano de sus traviesos compañeros que en esta vida el poder se basa en la fuerza y en el numero de huevos de paloma que uno es capaz de comer. Cuando descubren que su padre, el señor Yoshi, se muestra servil ante su superior, se avergüenzan de ello e inician una huelga de hambre. Poco a poco empiezan a comprender una de las grandes lecciones de la vida adulta: que el respeto se basa en el dinero y en el nivel social que se posee. La mayoría de las películas de Ozu abordan las relaciones entre padres e hijos. En este caso como ocurrirá con frecuencia en la filmografía posterior de Ozu, los hijos logran entender la presión a la que se ven sometidos sus progenitores.

Silent Films

1927 - Zange no yaiba (Sword of Penitence)
1928 - Wakodo no yume (Dreams of Youth) – Nyobo funshitsu (Wife Lost) – Kabocha (Pumpkin) – Hikkoshi fufu (A Couple on the Move) Nikutaibi (Body Beautiful) - Takara no yama (Treasure Mountain) – Wakaki hi (Days of Youth) Ozu’s earliest surviving film – Wasei kenka tomodachi (Fighting Friends Japanese Style) – Daigaku wa detakeredo (I Graduated, But..) – Kaishain seikatsu (The Life of an Office Worker) – Tokkan kozo (A Straightforward Boy)
1930 - Kekkongaku nyumon (An Introduction to Marriage) – Hogaraka ni ayume (Walk Cheerfully) – Rakudai wa shitakeredo (I Flunked, But…) – Sono yo no tsuma (That Night’s Wife) – Erogami no onryo (The Revengeful Spirit of Eros) – Ashi ni sawatta koun (The Luck Which Touched the Leg) – Ojosan (Young Miss)
1931 – Shukujo to hige (The Lady and the Beard) – Bijin aishu (Beauty’s Sorrows) – Tokyo no kôrasu (Tokyo Chorus)
1932 – Harn wa gofujin kara (Spring Comes from the Ladies – Umarete wa mita keredo (I Was Born, But…) – Seishun no yume imaizuko (Where Now Are the Dreams of Youth?) Mata au hi made (Until the Day We Meet Again)
1933 - Tokyo no onna (Woman of Tokyo) Hijosen no onna (Dragnet Girl) – Degigokoro (Passing Fancy)
1934 - Haha o kowazuya (A Mother Should be Loved) – Ukigusa monogatari (A Story of Floating Weeds)
1935 - Hakoiri musume (An Innocent Maid) – Kagamijishi (Documentary) – Tokyo no yado (An Inn in Tokyo)
1936 – Daigaku yoitoko (College is a Nice Place)

Sound, black-and-white films:

1936 Hitori musuko The Only Son Ozu’s first sound film

Una madre dice: “Mi hijo lo ha hecho verdaderamente bien. Y ha encontrado una buena esposa. Ahora ya puedo morir en paz”

1937 Shukujo wa nani o wasuretaka What Did the Lady Forget?
1941 Todake no kyodai Brothers and Sisters of the Toda Family
1942 Chichi ariki There Was a Father
1947 Nagaya Shinshiroku Record of a Tenement Gentleman
1948 Kaze no naka no mendori A Hen in the Wind
1949 Banshun Late Spring Ozu’s first film with Setsuko Hara

Un esposa dice: “Eramos felices”, a lo que el marido le responde: “Hmmmmm”. Este dialogo, que podria parecer incluso reaccionario, constituye en el fondo una hermosa alternativa intermedia al “Happy End” de Holywood o a los tragicos finales del cine ruso.

1950 Munekata kyodai The Munekata Sisters
1951 Bakushu Early Summer
1952 Ochazuke no aji The Flavor of Green Tea over Rice Adapted from rejected 1939 script

1953 Tokyo monogatari Tokyo Story

1956 Soshun Early Spring

1957 Tokyo boshoku Tokyo Twilight

Colour films

1958 Higanbana Equinox Flower Ozu’s first film in colour
1959 Ohayo Good Morning Remake of I Was Born, But… – Ukigusa Floating Weeds Remake of A Story of Floating Weeds

1960 Akibiyori Late Autumn
1961 Kohayagawa-ke no aki The End of Summer
1962 Sanma no aji An Autumn Afternoon Ozu’s final work

“Ozu had some famous detractors. Japanese “New-Wave” filmmakers Shohei Imamura and Nagisa Oshima were completely uninterested in Ozu’s style of film making. Akira Kurosawa’s more gentle criticism was that Ozu’s work was too rarefied; he wrote in his autobiography that he disliked their “dignified severity”.”

Flash Gordon – 1980

“Pathetic earthlings, hurling your frail bodies into the void, with no idea who or what is out there!”Emperor Ming

Flash Gordon – 1980.

vía Flash Gordon – 1980.

Bagdad Cafe (Out of Rosenheim) – 1987

Bagdad Cafe (Out of Rosenheim) – 1987.

vía Bagdad Cafe (Out of Rosenheim) – 1987.

The Deep – 1977

The Deep – 1977.

vía The Deep – 1977.